Jean-Claude Van Damme aparece en primer plano, con los ojos cerrados y una tranquilidad envidiable. Su voz en off habla de los altibajos de su vida, de los caminos difíciles y de cómo todo eso le ha convertido en quien es.

La cámara se aleja y empezamos a entender dónde está. Tiene un pie apoyado en el retrovisor de un camión y el otro en el de otro. Los dos circulan marcha atrás.

Entonces los camiones empiezan a separarse. Suena Enya y Van Damme va abriendo las piernas hasta quedarse completamente estirado entre los dos vehículos.

Y tú, que seguramente no habías pensado en comprarte un camión en tu vida, no puedes dejar de mirar.

La idea

¿Cómo anuncias el sistema de dirección de un camión a alguien al que no le interesa lo más mínimo?

Volvo lo resolvió poniendo a Van Damme entre dos de ellos y dejando que hiciera una de sus aperturas de piernas. La diferencia es que aquí los apoyos pesan unas cuantas toneladas y se están moviendo.

Y eso es justo lo que Volvo quería demostrar: que la precisión y la estabilidad de Volvo Dynamic Steering aguantan algo así. Cuanto más se separan los vehículos, más pendiente estás de que todo siga exactamente donde tiene que estar.

Me gusta porque aquí el producto forma parte de la acrobacia. Si los camiones no mantienen la trayectoria, se acabó la tranquilidad de Van Damme. Y la nuestra.

Lo potente

Para mí, lo que hace que funcione tan bien es la calma.

Con semejante escena podrían haber montado un anuncio lleno de cortes rápidos, música de acción y conductores apretando los dientes. Pero aquí todo sucede despacio. La cámara se aleja, los camiones continúan su recorrido y Van Damme mantiene esa cara de estar esperando a que le traigan un café.

Y entonces está Enya… que delicia de canción.

Only Time le da una solemnidad casi absurda a lo que estamos viendo. Hay algo entre majestuoso y cómico en ese hombre completamente serio, abriéndose de piernas entre dos camiones mientras suena una música tan delicada.

El anuncio te deja ver lo que está pasando y te hace pensar: «¿Pero cuánto más van a separar esos camiones?». No necesita añadir más elementos a la escena. Basta con que los camiones se separen un poco más para que no puedas apartar la mirada.

Y otro poco.

Lo chulo

Hay un detalle del planteamiento que me parece muy bueno: Van Damme es la elección perfecta para la idea. La apertura de piernas forma parte de su personaje y de sus películas. Aquí recuperan ese gesto tan suyo y le encuentran un contexto surrealista que parece hecho a medida.

Además, el spot se rodó en España, en un aeródromo cerrado al tráfico. Andreas Nilsson, su director, explicaba que buscaban una pieza más poética que las anteriores demostraciones de Volvo: algo parecido a una danza lenta y cuidadosamente coreografiada.

Y esa intención se nota. Por muy llamativa que sea la acrobacia, lo que se te queda es una imagen limpia y fácil de recordar.

Lo que más me gusta es que consigue interesarte por algo en lo que nunca te habías fijado. En poco más de un minuto estás pendiente de la dirección de dos camiones como si te fuera la vida en ello.

A Van Damme le va, por lo menos, la flexibilidad.

Terry Crews aparece sentado, rodeado de instrumentos y con varios electrodos conectados a su cuerpo. Hasta aquí, todo perfectamente normal. Bueno, todo lo normal que puede ser ver a Terry Crews conectado a una batería.

Entonces empieza a mover los músculos. Contrae un brazo y suena un instrumento. Mueve un pectoral y suena un tambor. Los abdominales activan otros sonidos y, poco a poco, su cuerpo entero acaba convertido en una especie de banda de música humana.

Es ruidoso, absurdo y no tiene ningún sentido. O sea, puro Old Spice.

La idea

Old Spice llevaba tiempo jugando con un tipo de publicidad exagerada, absurda y que no se tomaba nada en serio. Y Terry Crews encajaba de maravilla en ese universo: músculos imposibles, gritos y escenas sin pies ni cabeza.

Muscle Music parte de una idea sencillísima: si tienes a Terry Crews, usa sus músculos como instrumentos musicales.

El spot empieza como una demostración de esa locura. Cada movimiento de su cuerpo activa algo distinto hasta convertirlo en una orquesta de un solo hombre. No hay que entender demasiado. Solo dejarse llevar y ver hasta dónde son capaces de estirar la broma. Y bastante lejos la llevan.

Lo potente

Para mí, lo que funciona es que abraza lo ridículo de la idea. Cuanto más exagerado se vuelve, mejor encaja.

Terry Crews grita, flexiona músculos, dispara sonidos y parece estar disfrutándolo todavía más que quien lo está viendo. El ritmo no te deja tiempo para pensar qué demonios está pasando, y eso forma parte de la gracia.

Pero además hay algo que me gusta especialmente: el anuncio no acababa cuando acababa el vídeo.

Cuando terminaba la actuación de Crews, la pieza cambiaba y dejaba de ser simplemente un spot. A partir de ahí podías usar el teclado del ordenador para activar sus músculos y hacer sonar los distintos instrumentos. De repente ya no estabas viendo a Terry Crews tocar música. Ahora lo tocabas tú.

Y en 2012, eso tenía mucha gracia.

Lo chulo

Esta es seguramente mi parte favorita. Muscle Music se creó junto a Vimeo como una experiencia interactiva integrada en el propio reproductor. Después de ver el vídeo podías pulsar teclas para activar los músculos de Crews, montar tu propia composición y compartirla. The One Club lo describió como: «el primer reproductor interactivo integrable que permitía a los usuarios crear composiciones musicales personalizadas utilizando los músculos de Terry Crews«.

Es decir, primero veías el anuncio y después te dejaban jugar con él.

Y hay un detalle que me parece muy curioso: en los créditos de The One Show aparece un UX Designer, Jake Doran. Alguien tuvo que pensar cómo conseguir que el usuario entendiera qué podía hacer y que le apeteciera quedarse jugando.

Y funcionó: en The One Show 2013 se llevó varios premios, entre ellos dos Gold Pencil, uno en Online Films & Video / Music Videos y otro en Non-Broadcast / Online.

Pero más allá de los premios, lo que me gusta es lo sencillo del planteamiento. Podrían haberse quedado con un anuncio divertido de Terry Crews tocando una batería con los pectorales y ya habría funcionado.

En cambio pensaron: ahora que lo han visto, ¿por qué no dejamos que lo prueben ellos?

Y ahí el anuncio se convierte en otra cosa. En un pequeño juguete digital completamente absurdo.

Igual que Terry Crews.

El anuncio empieza con el primer plano de un hombre que mira fijamente a algún punto, en completo silencio. Todavía no sabemos quién es ni qué espera. Entonces el plano se abre y aparecen la playa, las tablas y el resto de los surfistas.

Esperan la ola adecuada.

Cuando por fin llega, se lanzan al agua. El ritmo empieza a crecer, la ola se levanta y, entre la espuma, aparecen varios caballos blancos galopando junto a ellos. Todo se vuelve enorme, casi mitológico.

Uno de los surfistas consigue mantenerse en pie, domina la ola y llega hasta la orilla.

Qué maravilla, qué potencia visual. Y Guinness apenas necesita aparecer.

La idea

La campaña partía de una frase en la que Guinness llevaba tiempo trabajando: «Good things come to those who wait» (Lo bueno se hace esperar). Le venía de perlas a una cerveza que necesita su tiempo para asentarse antes de estar lista.

El spot traslada esa espera al surf. El protagonista no persigue cualquier ola: espera la adecuada. La que merece la pena. Y cuando por fin aparece, toda esa espera se convierte en fuerza y en recompensa.

Casi no hace falta hablar de cerveza. Guinness consigue ligar su producto a algo mucho más grande: la paciencia necesaria para llegar a ese momento perfecto.

Lo potente

Para mí, lo mejor es cómo construye la tensión. Empieza despacio, con ese rostro concentrado y una voz que marca el tiempo: tick followed by tock, followed by tick… Después entra el ritmo hipnótico de Leftfield y todo empieza a crecer.

La ola, la música y el montaje avanzan juntos hasta que los caballos blancos aparecen entre la espuma. Hacen visible la fuerza del mar de un modo que reconocemos al instante.

La imagen se inspiró en Neptune’s Horses, una ilustración de Walter Crane de 1893. El spot se rodó en Hawái con surfistas locales, una decisión que ayuda a que todo se sienta peligroso y auténtico incluso cuando aparece la parte más fantástica.

Lo chulo

Mi momento favorito es cuando la espuma empieza a convertirse en caballos. Al principio casi dudas de lo que estás viendo, pero enseguida la ola se llena de cuerpos blancos galopando junto al surfista.

Es una de esas ideas visuales que podrían haber quedado ridículas y, sin embargo, aquí funcionan de maravilla. Tiene mucha fuerza y ese punto extraño que hace que sigas acordándote de ella años después.

También me gusta que Guinness aparezca tan poco. El anuncio confía en la historia, en las imágenes y en que el espectador complete la relación con la espera. No intenta explicarlo todo. Y veintisiete años después sigue funcionando.

De hecho, en una votación organizada por Channel 4 y The Sunday Times fue elegido como el mejor anuncio de todos los tiempos. En 2018 volvió a ganar en una votación internacional organizada por The Drum.

Y como una buena pinta, mejor no tener prisa.

Una pelota de color aparece en la pantalla rebotando por una calle de San Francisco. Después llega otra. Y otra. Hasta que, de repente, la ciudad se llena con 250.000 pelotas de goma bajando por sus cuestas.

No hay actores, ni diálogos, ni una historia que tengas que seguir. Ni siquiera aparece el televisor que te están intentando vender. Lo único que ves son pelotas, color y movimiento, con la versión de Heartbeats de José González sonando de fondo.

Dicho así suena a poco, pero el resultado es de esos que no se te olvidan.

La idea

Sony tenía que presentar sus nuevos televisores Bravia y hablar de una de sus principales características: el color.

La solución más previsible habría sido enseñar imágenes espectaculares dentro de una pantalla y comparar su calidad con la de otros televisores. Pero en Fallon London decidieron llevar el color fuera de la pantalla y soltarlo directamente por las calles de San Francisco.

Para hacerlo lanzaron 250.000 pelotas de goma por algunas de las cuestas más conocidas de la ciudad. Y no, no se crearon por ordenador ni se multiplicaron después en post-producción. Las pelotas estaban allí de verdad, rebotando por las calles delante de las cámaras.

El concepto de la campaña era Colour Like No Other. Y después de ver el anuncio, queda bastante claro: no necesitan explicarte resoluciones, píxeles ni características técnicas.

Balls fue la primera pieza de la campaña. Después llegarían Paint, con explosiones de pintura en un edificio de Glasgow, y Play-Doh, protagonizado por figuras de plastilina que recorrían las calles de Nueva York. Cada anuncio utilizaba una técnica diferente, pero todos partían de la misma idea: sacar el color fuera del televisor y convertirlo en algo real.

Lo potente

Para mí, buena parte del spot funciona por la música.

Mientras que la parte visual es una auténtica locura, la versión de Heartbeats de José González suena tranquila, casi a cámara lenta. Es el contrapeso: miles de pelotas chocan contra fachadas, saltan sobre coches y atraviesan cruces, y aun así el anuncio nunca se siente caótico.

Con una música más rápida habría sido espectacular, sí, pero seguramente también habría acabado pareciendo una demostración de efectos especiales. Esta canción lo convierte en algo precioso, y hace que te quedes mirando hasta el final.

También me gusta que Sony no tenga ninguna prisa por enseñar el televisor. De hecho, prácticamente se olvida de él. Primero consigue que recuerdes la imagen y después, al final, te cuenta quién está detrás.

Lo chulo

Mi momento favorito es cuando empiezan a aparecer las primeras pelotas. Al principio son unas pocas y todavía no sabes muy bien hacia dónde se dirige el anuncio. De repente llega la avalancha y toda la calle se llena de pequeños puntos de colores rebotando sin control.

El rodaje debió fue una auténtica locura. Se utilizaron sistemas especiales para lanzar las pelotas, cámaras protegidas y un equipo preparado para reparar cualquier daño. Hubo cristales rotos y varios vehículos afectados, aunque muchos de ellos habían sido colocados allí por la propia producción. (Making-Off)

San Francisco tampoco fue una localización elegida al azar solo porque quedara bonita. Sin esas cuestas, el anuncio habría sido completamente diferente.

Y hay un detalle que me encanta: la rana que aparece saltando desde una tubería también era real. Con 250.000 pelotas bajando por la calle, incluso ella quiso participar.

El anuncio deja que las pelotas sigan cayendo y desapareciendo mientras la canción continúa. Durante mas de 2 minutos no ocurre nada más. Y tampoco hace falta.

Puede que al terminar no recuerdes cómo era exactamente aquel televisor. Pero seguro que recuerdas las pelotas de colores bajando por San Francisco.

Una pieza cae y pone otra en movimiento. Después otra. Y otra. Un engranaje empuja a otro, un tubo rueda, una rueda comienza a avanzar… y así durante dos minutos en los que no puedes apartar la vista de la pantalla.

No hay coches recorriendo carreteras imposibles ni curvas perfectas con paisajes espectaculares. De hecho, el Honda Accord no aparece completo hasta el final. Lo único que vemos son sus piezas desmontadas, conectadas en una enorme reacción en cadena que parece que va a fallar en cualquier momento.

Y precisamente por eso funciona tan bien.

La idea

La propuesta era aparentemente sencilla: desmontar un Honda Accord y utilizar sus piezas para crear una reacción en cadena al estilo de una máquina de Rube Goldberg.

Cada elemento activa el siguiente con una precisión milimétrica. Una pieza rueda, golpea otra, libera un mecanismo y hace avanzar toda la secuencia hasta llegar al coche terminado. No hace falta explicar su ingeniería ni mostrar esquemas técnicos. El propio funcionamiento de las piezas transmite la idea de precisión.

Y lo hace de una manera mucho más entretenida que cualquier demostración convencional.

Durante casi todo el anuncio no vemos el coche entero, pero llevamos dos minutos mirándole las tripas. Honda trata cada tornillo y cada muelle, vamos, cada pieza, como si fuera el actor principal.

Lo potente

Para mí, lo mejor de Cog es la tensión que consigue generar con algo tan sencillo.

Sabes que la cadena está preparada y que todo debería salir bien, pero cada movimiento parece estar a punto de fallar. Una rueda puede desviarse o una pieza puede no caer donde debe. Estás esperando el error, pero todo sigue avanzando.

También resulta muy inteligente la forma de enseñar el producto. Honda no te dice que el Accord está bien construido ni insiste en la precisión de su ingeniería. Te deja verlo. Cada pieza cumple su función y encaja con la siguiente hasta formar un sistema completo.

El mensaje final, “¿No es agradable cuando las cosas simplemente funcionan?”, pone palabras a lo que acabamos de ver sin necesidad de explicar nada más.

Lo chulo

Lo más sorprendente es que la reacción se construyó con piezas reales del Honda Accord. La secuencia se rodó en tiempo real y el resultado final une dos largas tomas, pero la cadena no fue creada mediante CGI. ¿No me crees?, pues aquí tienes también el video del making-of.

Detrás de esos dos minutos hubo meses de preparación, pruebas y ajustes para conseguir que cada elemento se moviera exactamente como estaba previsto. Incluso las ruedas que parecen subir una rampa de manera antinatural, tenían pesos colocados en su interior para provocar el desplazamiento.

Mi momento favorito es cuando los limpiaparabrisas avanzan solos por el suelo, casi como si fueran pequeños insectos mecánicos. Es una escena breve, un poco absurda y totalmente inesperada dentro de una coreografía calculada al milímetro.

Y luego está el sonido. Los golpes, roces, giros y pequeños chasquidos de las piezas marcan el ritmo durante casi todo el anuncio. Solo al final entra Rapper’s Delight, justo cuando aparece el Accord terminado y todo cobra sentido.

Después de verlo por primera vez, lo normal es volver al principio. No porque no lo hayas entendido, sino porque quieres descubrir cómo demonios han conseguido hacerlo.

Normalmente, cuando un anuncio se convierte en un clásico, lo mejor suele ser dejarlo tranquilo. Pero con este que os quiero comentar pasó algo diferente.

Ocho años después de Whassup?, Charles Stone III volvió a reunir a prácticamente los mismos amigos del spot original y recuperó aquella llamada telefónica que había acabado formando parte de la cultura popular.

Solo que esta vez las cosas habían cambiado bastante.

Ya no están simplemente viendo el partido y tomando una cerveza. Uno está perdiendo su casa, otro llama desde Irak, otro no puede pagar sus medicamentos, otro ve cómo sus inversiones se desploman y al último le está pasando literalmente un huracán por encima.

El “Whassup?” sigue ahí. Pero ya no suena igual.

La idea

Aquí está precisamente lo interesante. Charles Stone III coge una escena que todo el mundo conocía (unos amigos llamándose por teléfono para no decir prácticamente nada) y la repite ocho años después.

Pero cambia completamente el contexto.

Estados Unidos estaba en plena crisis financiera, continuaban las guerras de Irak y Afganistán y faltaban pocos días para las elecciones presidenciales de 2008. El vídeo utiliza esas situaciones para presentar a aquellos mismos personajes viviendo ahora problemas muy distintos.

La estructura es prácticamente la misma. La sensación, no.

Lo potente

Para mí, lo mejor es que no intenta copiar el anuncio original simplemente por nostalgia. Utiliza el recuerdo que tenemos de él.

Conocemos a los personajes, sabemos cómo debería desarrollarse la llamada y esperamos aquel “WHAAASSUUUP?” exagerado que nos hacía gracia ocho años antes. Pero cada llamada destapa una situación peor que la anterior.

Y ahí una misma frase, con los mismos personajes y prácticamente la misma puesta en escena, acaba significando algo completamente diferente.

El vídeo termina tomando una posición política explícita a favor de Barack Obama y utilizando la palabra “change” como respuesta al viejo “wassup”. Stone dejó claro además que se trataba de una pieza propia, no de una campaña oficial de Budweiser.

Lo chulo

Lo que más me gusta es que, si has visto el original, reconoces todo desde el primer segundo. Los mismos amigos, las llamadas, las caras, las pausas, el “Whassup?”.

Pero han pasado ocho años y parece que también han pasado ocho años de verdad por encima de ellos. Y eso hace que este #005 BIS tenga sentido como algo especial dentro de la serie.

No es otro anuncio inspirado en un clásico. Es el propio director volviendo a su creación, con los mismos personajes, para darle una lectura completamente nueva.

El original era básicamente unos amigos preguntándose qué estaban haciendo. Ocho años después, la pregunta seguía siendo la misma.

Lo que había cambiado era la respuesta.

Un chico mira detenidamente su viejo coche y, de repente, empieza a destrozarlo. Lo estrella contra una pared, le da martillazos, lo suelda, lo aplasta… incluso consigue que un elefante se siente encima. Durante buena parte del anuncio no tienes muy claro qué demonios está haciendo.

Hasta que, casi al final, aparece la pista que faltaba: una hoja de una revista con la foto de un Peugeot 206. Y entonces lo entiendes todo. No estaba destrozando su coche.

Estaba intentando fabricarse el suyo.

La idea

Peugeot quería reforzar la personalidad del 206 y convertirlo en un coche deseable, reconocible y con mucho carácter. La campaña giraba alrededor del concepto “Enfant Terrible”: si querías un 206, lo querías de verdad.

Y el spot lleva esa idea al extremo: alguien quiere uno tanto que, como no puede tenerlo, decide fabricarse el suyo. Pero el anuncio se guarda esa explicación casi hasta el final.

Primero solo ves a un tipo haciendo auténticas barbaridades con su coche. Lo golpea, lo aplasta y lo va moldeando sin que tengas muy claro qué pretende conseguir. Cuando aparece la foto del Peugeot 206 en la hoja de la revista, todo encaja de golpe.

Lo potente

Para mí, lo mejor está precisamente ahí: no te cuentan desde el principio qué está pasando. Te dejan mirar, preguntarte qué hace y seguir la transformación hasta que aparece el Peugeot original y puedes comparar.

El coche que ha creado se parece al 206… bueno, más o menos. Pero él está convencidísimo. Y eso hace que la idea funcione mucho mejor que si desde el primer segundo te hubieran explicado que estaba intentando copiarlo.

Lo chulo

Mi parte favorita es todo el proceso de transformación, porque cada vez que piensas que ya no puede hacerle nada peor al coche, encuentra una nueva manera de seguir “esculpiéndolo”. Y lo del elefante ya es directamente maravilloso.

Pero la guinda está al final, cuando aparece orgulloso con sus amigos al volante de su supuesto Peugeot 206, pavoneándose, como si lo acabase de sacar del concesionario.

La copia y el original se parecen… bueno, todo lo que tu imaginación quiera que se parezcan. Pero eso da igual.

Para él, ha quedado perfecto.

The Sculptor.

Un tipo está tranquilamente en casa viendo en la tele el partido y tomándose una Budweiser.

Le llama un amigo.

– ¿Qué haces?
– Viendo el partido. Tomándome una Bud.

Hasta aquí, nada especialmente emocionante.

Entonces aparece otro amigo al teléfono. Y otro. Y otro.

Y de repente tienes a un grupo de tipos gritándose “WHAAASSUUUP?” unos a otros como si fuera la cosa más normal del mundo.

Y lo peor es que, después de verlo, te entran ganas de hacerlo tú también. ¿a que sí?

La idea

Lo curioso es que la idea ni siquiera nació como anuncio.

Charles Stone III había rodado antes un pequeño cortometraje llamado True con varios amigos de toda la vida, básicamente hablando por teléfono y saludándose de esa manera tan exagerada. En DDB Chicago lo vieron, entendieron que allí había algo y lo adaptaron para Budweiser manteniendo al propio Stone y buena parte de sus amigos delante de la cámara.

Y prácticamente no necesitaron añadir nada más.

Amigos, partido, cerveza y una forma ridícula de decir “¿qué pasa?”.

Así de simple.

Lo potente

Para mí, lo mejor es que parece más una conversación real entre amigos que un anuncio.

No intentan venderte lo buena que está la cerveza, ni enseñarte una botella perfecta con gotas resbalando en cámara lenta. De hecho, el producto casi es una excusa para meterte dentro de ese grupo.

Y entonces sucede algo que cualquier marca mataría por conseguir: la gente empieza a repetirlo fuera del anuncio.

Whassup? pasó de ser una frase del spot a aparecer en conversaciones, programas de televisión, deportes, canciones y todo tipo de parodias. La campaña llegó a ganar el Grand Prix de Cannes y otros grandes premios internacionales.

Lo chulo

Mi parte favorita es cuando empiezan a incorporarse amigos a la llamada y aquello se va descontrolando poco a poco. No ocurre absolutamente nada… y precisamente ahí está la gracia.

Unos colegas hablando por teléfono, un uso de la cámara bastante sencillo y una palabra repetida hasta el absurdo. Pero el ritmo, las caras y la química entre ellos hacen que resulte contagioso.

Y hay algo todavía más curioso: estamos hablando de 1999. YouTube ni existía y las redes sociales tal y como las conocemos tampoco. Aun así, el anuncio empezó a circular, a generar versiones y a convertirse en uno de esos fenómenos que hoy llamaríamos viral sin pensarlo dos veces.

No sé cuántas Budweiser vendió gracias al anuncio, pero consiguieron algo bastante más difícil: que millones de personas hicieran publicidad de la marca simplemente saludando a sus amigos.

WHAAASSUUUP?

Un niño disfrazado de Darth Vader recorre la casa intentando usar la Fuerza con todo lo que encuentra: la bicicleta estática, el perro, la lavadora, un muñeco, incluso su comida. Nada.

Hasta que su padre llega a casa con un Volkswagen Passat y entonces, por fin, parece que la Fuerza funciona. Lo bueno es que nosotros sabemos perfectamente lo que ha pasado. Él no. Y ahí está toda la gracia.

La idea

Volkswagen podría haber hecho un anuncio enseñando el coche, hablando de prestaciones, diseño o tecnología. Pero decidió contar una historia.

Durante casi todo el spot, el Passat ni siquiera aparece. Lo importante es ese pequeño Darth Vader intentando una y otra vez mover cosas con la mente y empezando a asumir que eso de la Fuerza no se le da demasiado bien. Hasta que llega el coche y una función tan poco emocionante como el arranque remoto se convierte en el final perfecto de la historia.

Lo potente

Para mí, lo mejor es precisamente eso: el coche no necesita ser el protagonista desde el primer segundo. Primero consiguen que te encariñes con el niño, que entiendas lo que está intentando hacer y que esperes que, de alguna manera, finalmente lo consiga.

Cuando aparece el Passat, el producto no interrumpe la historia. La termina.

Y eso hace que recuerdes perfectamente tanto el anuncio como el coche que provoca ese pequeño momento de magia.

Lo chulo

Mi momento favorito es la reacción final del pequeño Darth Vader cuando el coche arranca. No vemos su cara. No hace falta. Ese pequeño salto hacia atrás dice absolutamente todo.

También ayuda muchísimo la música. The Imperial March acompaña cada intento fallido y convierte algo tan cotidiano como pasearse por casa en toda una misión para conquistar la galaxia.

No hay diálogos, no hay grandes efectos y tampoco hacen falta. Solo una idea sencilla, muy bien contada y un final que ya sabes que va a llegar… pero que aun así funciona.

Que la fuerza te acompañe…

Empieza como uno de esos documentales de naturaleza de la tele en los que una voz en off tranquila te explica cómo los osos esperan pacientemente a que llegue el mejor salmón.

Todo muy serio. Muy bonito. Muy National Geographic.

Hasta que aparece un tipo corriendo hacia el río dispuesto a todo para quitarle el pescado al oso.

Y entonces empieza una pelea.

Sí, una pelea entre un hombre y un oso por un salmón.

La idea

John West quería transmitir algo bastante sencillo: para conseguir el mejor salmón están dispuestos a hacer lo que haga falta.

Y en vez de explicarlo, decidieron llevarlo literalmente al extremo.

El anuncio arranca haciéndote creer que estás viendo un documental de naturaleza y, cuando tu mente ya ha comprado completamente esa idea, la rompe de golpe.

De repente tienes a un pescador repartiendo golpes a un enorme oso.

“John West endures the worst to bring you the best.”
(John West soporta lo peor para ofrecerte lo mejor.)

Lo potente

Para mí, lo mejor es el brutal cambio de tono.

Durante los primeros segundos todo está construido para que te creas que estás viendo algo serio: el paisaje, la voz en off, el oso pescando…

Y entonces aparece el pescador gritando desde fuera de plano.

A partir de ahí el anuncio no necesita explicar mucho más. La exageración hace todo el trabajo y convierte una promesa de marca bastante convencional —buscar el mejor producto— en algo que recuerdas veinte años después.

Lo chulo

Mi momento favorito es cuando el oso empieza a moverse como si fuera un boxeador, hace su pequeño juego de piernas y termina soltando una patada giratoria. Me parto de risa.

A esas alturas ya has entendido que el anuncio ha abandonado cualquier intención de ser realista. Y todavía queda el remate final del pescador distrayendo al oso para llevarse el salmón.

Es absurdo. Y está medido al segundo.

Pero quizá lo más curioso es que fue uno de los primeros anuncios que empezaron a circular por internet cuando todavía ni siquiera hablábamos de “viralidad” como lo hacemos ahora.

No sé si después de verlo piensas que John West tiene el mejor salmón, pero desde luego queda claro que están dispuestos a pelear a muerte por él.